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László Moholy Nagy: Maestro de El arte de la luz.

por EMILIA VALENCIA MARTÍN

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Lago Maggiore. Ascona. Suiza ca,  1930" 

Colección Spaarnestad Photo/National Archief, Haarlem - ©Hattula Moholy-Nagy/VEGAP, 2010

PhotoEspaña 2010 y el Circulo de Bellas Artes presentan hasta el 29 de agosto,“El arte de la luz” de László Moholy Nagy, una de las grandes figuras de la modernidad.

La muestra incluye unas 200 obras entre pinturas, fotografías en blanco y negro y color, películas y elementos de diseño gráfico que constatan el aporte tanto artístico como intelectual a los cimientos del arte del siglo pasado.

László Moholy Nagy nace en 1895 en Borsord un pequeño pueblo perteneciente primeramente al Imperio Austrohúngaro y que en la actualidad pertenece a Hungría. 

Aunque László en su juventud quería ser escritor, por lo que su tío materno le animó a estudiar derecho,  la llegada de la Primera Guerra Mundial vino a interrumpir sus estudios universitarios que ya nunca pudo terminar.

En 1915 se alistó al ejército austrohúngaro como oficial de artillería.

Durante las horas interminables en el frente, László realiza sus primeros dibujos en las tarjetas postales que el ejército entregaba a los soldados. En 1917 un fragmento de bala le arranca el pulgar izquierdo y abandona el ejército. Tras ese periodo triste de su vida comienza a estudiar arte con Róbert Bériny. Desde 1918 emprende su camino en el mundo del arte, el cual no abandonará hasta su muerte en 1946.

 

Teórico y práctico en lo que respecta al arte. Concibió el arte como un todo y difundió la unión de todas las formas artísticas como unidad para desarrollar la creatividad.

 

Abogó por la defensa de una nueva cultura industrial que inició en sus"Escandinavia, 1930" - The Museum of Fine Arts, Houston. Donación de la Fundación Prospero - ©Hattula Moholy-Nagy/VEGAP, 2010 primeros años como pintor donde se desarrolla su etapa expresionista, continuando en el constructivismo y el dadaísmo.

Moholy Nagy era un artista total aunque no era por influencia del término  “Gesamtkunstwek” (obra de arte total) auspiciado en el romanticismo alemán por Richard Wagner, el cual concebía la unión de todas las artes en el arte dramático. László por su parte, pensaba que el arte confluía con la vida y era por ello el motor inseparable que hacía que el arte, en toda su extensión creadora, concibiera al hombre como obra y la obra como arte y como resultado, el ideal de hombre total.

Para Moholy Nagy  el arte es la inmersión de la obra en las distintas formas de crear, él pensaba que la pintura, la fotografía, el diseño, el cine, la escultura, la escenografía, fluyen hacia un todo como núcleo inspirador de la creatividad humana.

László Moholy llevó a cabo una actitud investigadora desde su plataforma como profesor de la Bauhaus, experimentó en todos los campos del arte, se definía pintor y fotógrafo.

Fue uno de los primeros en utilizar la fotografía en color en Europa, primero en Holanda, donde en 1934 le ofrecen un trabajo como comisario y publicista en Ámsterdam. Es aquí donde empezó a utilizar la fotografía en color. En un principio la realiza para su obra comercial, utiliza trasparencias en vidrio y acetato y mas tarde la incorpora como docente, realizando diapositivas, para  mostrar su trabajo de clase, a sus alumnos.

Moholy Nagy  viaja periódicamente a Londres para estudiar los distintos procesos de revelado de la fotografía en color. Como otros fotógrafos, es el caso de Edward Steichen pintor y fotógrafo, Alfred  Stieglitz entre otros, que lo hicieran a principios de siglo con la invención por parte e los hermanos Lumière  de la técnica del autocromo.

En 1937 continuó experimentando el color con la película que sustituyó al autocromo; la película positiva en color Kodachrome, que fue comercializada por Kodak, alrededor de 70 años.

"Desde la torre de la radio", Berlin 1928 -  Colección Privada - ©Hattula Moholy-Nagy/VEGAP, 2010La película Kodachrome de una extraordinaria calidad y no comparable a ninguna otra película diapositiva existente en toda la historia de la fotografía hasta el momento, nació en 1935 como película para cine y en 1936 se lanzó la película Kodachrome para cámaras fotográficas cargada en chasis de película de 35 mm.  Con la llegada de la era digital, en 2009 se dejó de producir.

Moholy Nagy realizó multitud de diapositivas de 35 mm pero solo se conservaron unas pocas.

Su estilo de trabajo no varía en la fotografía en color respecto a la fotografía en blanco y negro. Trabaja en los mismos temas así como indaga en la misma estética. Viajes, retratos, abstracción y sobretodo  composiciones  para sus trabajos como docente en la Escuela.

Sus imágenes en color son de una gran belleza donde se percibe el profundo conocimiento del color y la composición pictórica que el domina como pintor.

Moholy Nagy acuñó un concepto nuevo de entender el arte y lo puso en práctica en su vida artística y docente.

El siempre se definía como pintor y fotógrafo que había aprendido a pintar a través de la fotografía y a su vez, la pintura se había enriquecido de su práctica con la fotografía.

Moholy Nagy se posiciona como un extraordinario educador y maestro de arte desde sus comienzos como profesor en 1923 en la Bauhaus en Weimar (1923-1925) y en Dessau (1925-1928) bajo la dirección del arquitecto alemán Walter Gropius que había fundado la Bauhaus en 1919 con el objetivo de crear un nuevo tipo de escuela de arquitectura, arte y diseño.

Con la llegada del nazismo muchos intelectuales y artistas se vieron en la necesidad de huir fuera del territorio alemán.

En 1933 con la llegada de Hitler al poder, se ordena el cierre de la Bauhaus. Es entonces cuando en 1934, László vive durante el periodo de un año en Ámsterdam.

En 1935 se instala en Londres y abre un estudio de diseño con su amigo György Kepes hasta 1937.

En 1937, la Association of Arts and Industries, un grupo de empresarios de Chicago se interesan por incorporar el diseño contemporaneo a sus productos. Fascinados por el diseño de la Bauhaus alemana, proponen a Gropius que dirigiera una escuela de arte. Gropius que es profesor en la Universidad de Harvard, cede la dirección de la nueva escuela de arte a Moholy Nagy quien  la llamó  La New Bauhaus: American School of Desing.

En 1939 Inaugura su propia escuela que denomina The School of Desing in Chicago.

Desde Weimar a Chicago su programa docente se fundamenta principalmente en la confluencia de la moral y la estética hasta alcanzar el ideal del nuevo hombre y total que integre lo racional, lo afectivo y sensorial y en ello, es donde se inspiraron las vanguardias de los primeros  años del siglo XX.

Moholy Nagy descubre a través de la experiencia pedagógica la importancia del arte desde una perspectiva ideológica y formativa del intelecto humano como el mismo indica

“El arte es el afilador de los sentidos, agudiza la vista, la mente y las sensaciones…” el arte es la mas compleja, vitalizadota y socializadora de las acciones humanas…” el arte sensibiliza al hombre en lo mejor que es inminente en él a través de una expresión intensificadora que implica muchas capas de experiencia”.

En el magnifico estudio que realiza la comisaria de esta exposición Oliva María Rubio, en el extraordinario catálogo editado para esta exposición, comenta:

“Esta importancia en la labor educadora del arte, que tanto preocupó al artista, ha dejado huella y podemos rastrearla en los programas didácticos de muchos museos e instituciones del todo el mundo

En Pintura, Fotografía, Cine” obra cumbre del autor, publicado en 1925 realiza una exhaustiva teoría estética de la luz.

La luz como matriz del arte, el arte como arte de la luz.

Desde estas reflexiones su obra artística teórica y pedagógica estará fundamentada en la luz.

Pero los efectos de esta visión de la luz recaen en las posibilidades que la nueva tecnología ofrece al arte, los nuevos instrumentos ópticos y técnicos que ofrece la industria fotográfica al creador.

Esto le abre innumerables puertas y una concepción estética basada en la óptica y la técnica de los nuevos aparatos, ello deviene a nuevos campos de representación artística, ya no se concibe las imágenes únicamente a través de los pigmentos sino que, la luz infiere en la imagen de una forma hipnótica. Surge pues una imagen estética nueva que confluye con la actual idea de imagen.

La pintura deja de ser el eje de representación de lo mimético y se libera, aportando una configuración mas representativa del pigmento, es decir del color. Ahora le toca ese papel a la representación en la fotografía.

Moholy Nagy en su incesante experimentación desarrolla un mundo creativo en la aplicación plástica de la luz en el cuadro.

A partir de 1927 sin abandonar la pintura, se propone experimentar en los espacios escénicos, fílmicos, y fotográficos y desarrolla sus teorías expresadas en el libro Pintura, Fotografía Cine” y contrapone los conceptos expresados por Walter Benjamin en “ La obra de arte en la época de reproductividad técnica (1936).

La invención del fotograma, (fotografía sin cámara) en 1922 presupone un nuevo concepto de creación de imágenes a través de la luz.

Con ello se inicia un nuevo proceso en el que cabe diferenciar por un lado la utilización directa de la tecnología en la imagen, por otro la ausencia de la cámara, lo que establece un paralelismo entre la imagen y los distintos instrumentos tecnológicos para obtener dicha imagen, es decir cámara, ampliadora, en la actualidad escáner fotocopiadora, etc.

El fotograma resume de un modo contundente la verificación y la sutilidad de la luz sobre el papel sensible.

La aparición del fotograma en 1922 supuso la reflexión acerca de que  el acto creador del proyecto fotográfico, no está solo en la cámara y su óptica sino que va mas allá, hacia el elemento fotosensible del soporte matérico que contiene la fotografía.

Moholy Nagy en su exigencia creativa hacia el fotograma que no dejó de practicar casi hasta los últimos días de su vida, desarrolla todo un componente teórico-técnico para conseguir estructurar la luz en el espacio.

La inmaculada blancura del papel fotosensible deja paso al juego inmaterial de los blancos puros, los negros aterciopelados y profundos y los infinitos matices de las gradaciones del gris.

Para Moholy Nagy era esta forma que la luz expresaba sobre el soporte fotográfico, el factor, el concepto revelador de mostrar la nueva estética de la modernidad.

Lejos de producir los rayogramas surrealistas como su coetáneo Man Ray, M. Nagy va hacia el ágora de la modernidad, partiendo de un nuevo concepto estético y moderno que proviene de la productividad de la imagen desde el proceso fotográfico.

Investiga en las distintas intensidades lumínicas que irradian en los objetos que estructuran la composición de sus imágenes.

De todo ello Moholy Nagy lleva estas premisas hacia otras técnicas artísticas como son la fotoplástica y la fotografía creativa con cámara donde experimenta el juego ilusorio del espacio en el soporte fotográfico.  para ello se vale de la utilizaciones de elementos tales como las texturas, las estructuras geométricas  visualizadas desde ángulos extremos como los picados, contrapicados, distorsiones escorzos, efectos de sombras, contrastes tonales, ampliación, microfotografías, etc. Esos efectos son producto de la utilización de sistemas de lentes, espejos cóncavos y convexos y las estereofotografias.

Moholy Nagy se introduce en el mundo cinematográfico para experimentar en la imagen en movimiento, como lo hiciera en la imagen estática. En “Problemas del cine moderno” (1928-1930) analiza los tres pilares esenciales del nuevo cine: Luz, movimiento y montaje.

“Vision in Motion” fue su último libro donde expone las reflexiones y fundamentos de su experiencia docente, especialmente posiciona el plan de estudios y los logros conseguidos de la Bauhaus. Hoy en  día representa la guía ilustre de The Institute of Desing de Chicago.

En el invierno de 1945 se le diagnosticó leucemia. Murió el 24 de noviembre de 1946 a la edad de 51 años. Sus cenizas reposan en el Graceland Cementery de Chicago, su ciudad adoptiva.

Emilia Valencia Martín

julio 2010

 

 

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